Los 33 mejores álbumes del 2015

Durante este mes en THUMP estaremos recopilando lo mejor de la música electrónica de este año. Ya les mostramos nuestros tracks y mixes favoritos, y hoy les presentamos nuestros 33 álbumes favoritos del 2015. Decidir qué discos entrarian en la lista no fue fácil, pero eso solo es muestra de que hubo muchos discos en este año que nos pusieron los pelos de punta.

No es común que la primera canción de un grupo llegue como una declaración completamente realizada, pero eso es lo que "Wanna Party" de Future Brown logró cuando fue liberada en el verano del 2014. Sobre un beat metálico y seductor, Chicago MC Tink rapea "Don't you wanna party, put some liquor in your body, fuck this club, let's get drunk".

Ahora, flash-forward a febrero, cuando el equipo global—el productor y compositor iraní Fatima Al Qadiri, el fundador de Chicaco's Lit City J-Cush y el duo productor y DJ de Los Ángeles Nguzunguzu (Asma Maroof y Daniel Pineda)—sacaron su debut auto-titulado, donde sus discusiones e las políticas del club se difuminaron sin problema en una celebración de los sonidos fuertes pero constantemente pasados por alto, de todo el mundo. Colisionando géneros transatlánticos, desde el pop latinoamericano al grime de Reino Unido con la facilidad de seleccionadores de experiencia, y un poco de ayuda de un ecléctico elenco en el que se encuentran embajadores del bop como Sicko Mobb, la cantante de R&B Kelela y la rapera veterana Shawnna, es música que se merece el prefijo 'post' sin que se sienta pretencioso. Ahora, sírvete un trago. —Max Mertens

Julio Bashmore no tiene problema en entrega música que engancha; mucho de su legado ha venido de su maña por conjurar los sonidos más egajosos del verano, como el "Battle For Middle You" y "Au Steve" del 2012. Sin embargo, cuando hablamos con él sobre su disco el pasado julio, Bashmore recalcó que su deseo era crear un álbum debut apropiado, no un "montón de beats " pegados. Es ese pensamiento el que le da longevidad a Knockin' Boots en la pista de baile. Entre himnos masivos para sacudir tus brazos en el aire como "Holdng On", "Rhythm of the Alud" y "Kong" hay muchos otros tracks rebosantes de carácter. Ya sea en "Umuntu", con el rap de Okmalumkoolkat en una mezcla de inglés y zulu, o mordaces sonidos house en "What's Mine is Mine" y "She Ain't", Knockin' Boots marcó el ascenso de Bashmore de un productor de grandes melodías a un productor con visión.—Angus Harrison

Torcer y deformar la música dance lo más que pueda parece ser el reto que a Siete Catorce (AKA Marco Gutiérrez) más le gusta. Después de emerger con un EP en uno de los colectivos más cool de México, NAAFI, el joven productor comenzó con una canción y siguió con un álbum completo de el mismo nombre en antiguo sello de Branko, Enchufada. Los tracks en Paisajes están nombrados como los distintos climas que encontraras de costa a costa en México, y los sonidos son igual de volátiles. El lanzamiento presenta un reto para todos, desde los DJs que deben pensar cómo sincronizarlo con el resto, hasta las personas que deben aprender nuevas maneras de bailar. Paisajes es una verdadera exploración de nuevas olas y ritmos para el dancefloor global. —Valeria Anzaldo

Continuando la larga línea de discos campeones del sello de Chicago, Balance (el sub-sello del legado de Prescription de Chez Damier y Ron Trent) está el primer long-play del productor parisino, Brawther. Endless gira hacia lo menos frenético de la discografía de Brawther, confiando en sonidos más despojados y propicios para la noche que sus producciones anteriores. También re-empaca algunos de sus releases para Balance y My Love Is Underground, como "Late Night Paris", "Don't go" y "Le Voyage"—junto con un remix inédito a "Khawuleza" de Jeremiah. El resultado final es una colección excepcional de música que abarca cinco años— junto con una utilísima navaja de bolsillo para cualquier DJ que sepa lo que es bueno. —Joel Fowler

Durante uno de sus paseos más obscenos de George Clinton a los rincones más lejanos de la galaxia, le hizo el amor a un grupo de estrellas. 30 años después, Seven Davis JR. apareció en la costa oeste con un montón de discos y una canción para cantar. el alma de David Jr, su energía positiva y su groove como productor y vocalista se desbordan en Universes, su debut para Ninja Tune. Pon este disco en una fiesta y todos, desde tu vecino simplón hasta tu amigo mamerto del techno, van a estar bailando en cuestión de minutos. No solo es funky—es el funk. ¿Quien necesita reinventar la rueda cuando tienes una nave espacial?—Jemayel Khawaja

de la residente de Hamburgo, Helena Hauff, es un disco tan hermosamente bilingue que no podemos dejar de hablar de él con aliteraciones. Es una cosa compacta, un grupo estrechamente organizado de sonidos minimal afilados como cuchillas, que efervescen con inventiva e ingenuidad. Discreet Desires es el tipo de álbum que Xeno & Oaklander intentaron hacer durante años—un tenso montaje de arpegios salvajemente aid, síntesis de películas de terror de John Carpenter y el ambiente de un tren fantasma. No es amor a primera escucha—y no pretende serlo—pero si lo escuchas repetidamente entrega algo realmente especial. —Josh Baines.

El primer baile de DJ Sotofett con Honest Jon fue un claro ejemplo de la imparable creatividad del productor. El cofundador de The Sex Tags Mania trajo en su lanzamiento para el sello británico con pensamiento de vanguardia sonidos frescos de house, tribal exquisito y dub levitante, junto con colaboraciones con seis distintos artistas. Los ritmos intensos que escuchas en cortes como "Nondo Original Mix" parecen el resultado de colisiones extrañas entre géneros, concretados con licks de guitarra y claves para formar grooves gruesos y dubby. Si no fuiste a la playa este verano, entonces un par de audífonos y este álbum te acerquen lo suficiente. —Cristian Cope

El utilitarismo sin compromiso del techno y el misticismo intangible de lo paranormal no son buenos compañeros, pero a las cuatro de la mañana, en la mazmorra subterránea para la que están hechas los beats de Xosar, esos extraños compañeros parecen hermanos del alma. Sheela Rahman ascendió de la oscuridad de los suburbios de San José a tener su propia habitación en el estudio análogo Den Haag de Legowelt en el lapso de un año. Su LP debut, Let Go, liberado en el sello Black Opal, es la palpitante y psicodélica obra maestra que la ha confirmado como una iconoclasta del techno. Sus ocho tracks toman más riesgos en una hora que muchos productores han tomado a lo largo de sus carreras, y para el final de él, puedes estar dispuesto a repensar tu postura frente a los cristales curativos. —Jemayel Khawaja

El álbum coreano-alemán para Rush Hour puede sentirse un poco distinto en papel a sus DJ sets optimistas con disco y house por los cuales se ha hecho su nombre, pero es igual de aventurero y sabroso. En el transcurso de los dos discos Hunee, aka Mr. Hunch, aka Hun Choi, saca colores de toda su paleta artística, moviéndose entre techno explosivo, salpicaduras locas de sintes, un house perfectamente contenido ("Rare Happiness") e incluso un hipnótico sample Sun Ra ("The World")—todo mientras se niega a quedar atrapado en las tropas de sonidos de house más invitantes que fueron la pista de sus alabados EPs (y mucha más música house que salió este año), y también, irónicamente, sus DJ sets alrededor del mundo. —David Garber

RB Boo hace el tipo de footwork que suena como si alguien estuviera metiendo toda la música gringa de después de 1985 dentro de una lavadora, y después activando la pocas veces utilizada configuración de EXTREME SPIN. Es una experiencia desorientadora, una que le exige al oyente ser sumiso, agobiado por la propulsión de todo el álbum. El footwork, al fin y al cabo, tiene una manera de deformar el tiempo y el espacio, jugando con la percepción por medio de las repeticiones. Y Fingers, Bank Pads, y Shoe Prints es el sonido y la conmoción de lo nuevo. Bueno, lo nuevo-viejo, por lo menos. —Josh Baines

Recordatorio amigable: no hay pregunta más aburrida en el mundo que "¿que son los baleáricos?" Es el 2015 y ya sabemos lo que es un baleárico—¡es cualquier cosa que quieras que sea! ¡Es un estado de la mente! ¡Son palmeras y una botella de trago barato! Son atardeceres, Jose Padilla y DJ Harvey, congas y guitarras. Es el Lingua Franca de Len Leise, una absoluta obra maestra de la brillantez de los baleáricos contemporáneos lanzada en el mejor sello de baleáricos que hay, International Feel, y es, fácil, el mejor álbum de baleárico que emergió desde Australia, que está lo más lejos de las Islas Baleares que podrías estar. Es un muy buen álbum baleárico. —Josh Baines

aparece con una presencia amenazante—no hay ninguna fiesta de la que podamos hablar aquí. James Whipple nunca llega a ser auto-indulgente en su primer álbum como M.E.S.H; cada siseo, cala arreglo líquido ha sido considerado y tiene un propósito. Desde "Epithet", con su sonido de un equipo SWAT que tumba la puerta, hasta el espacio negativo de "Jester's Visage", es más elemental que cualquier drop fácil y explosivo. Los nueve tracks de están ancladas por un ambiente cohesivo, aludiendo a todos a bailar sin caer en el cliché. Sin exposición, solo intriga. —Lachlan Kanoniuk

Este nativo de Pasadena ha estado produciendo jugosas tajadas de hamburguesa de funk durante varios años—lo que no nos sorprende puesto que él tiene una de las colecciones de discos más absurdamente bañada en feromonas que el hombre ha conocido. El más reciente long play de Dam Funk para Stones Throw, Damon G. Riddick ofrece una historia del desmadejado linaje del género, mejorando la diversión con cameos de Ariel Pink, Junie Morrison, Leon Sylvers y Q-tip. Combinados con los brillantes ganchos de Riddick y un foco renovado en el contenido lírico, es un elenco de estrellas que hace un LP lleno de buenas vibras. —David Garber

Liberado en el sello argentino ZZK, el álbum debut de Nicolá Cruz es un matrimonio entre la herencia local y la tecnología digital. Pero también es una búsqueda por su lugar en el mundo, como si el productor ecuatoriano se estuviera arrodillando a escuchar el latir de los paisajes que lo inspiran. La resultante expedición andina es tan introspectiva como voluptuosa, empleando sonidos gruesos y análogos, y ritmos rituales para llevar a quien escucha a un estado meditativo. Prender El Alma es el sonido del corazón del continente que despierta. — Juan Pablo López

puede ser el "jódete" más glorioso, agresivo y bañado en jarabe que hemos escuchado. Desde su desafiante título hasta el astuto "Feat Rustie" que está enlistado junto a algunos tracks en los créditos, el disco es el sonido de un productor que se niega a trabajar bajo ninguna especificación aparte de la suya propia. La producción es lo que primero te endulza el oído—es un disco de Rustie, a pesar de todo— pero son los irresistibles ganchos pop los que la sacan del estadio, escondidos entre los fenéticos y zumbantes efectos de sonido y los conmovedores beats. Cortes como "Death Bliss" y "Big Catzz" vacilan entre mega construcciones extrañas y duchas de alivio tremendo, mientras hits como "Morning Starr" se abren paso hacia el cielo del trap. Como el arte en la carátula del disco, es una rosada y peculiar tormenta perfecta.

Cuando el álbum debut de Rionegro debutó para Cómeme el pasado octubre, se convirtió instantáneamente en un clásico contemporáneo. El proyecto colaborativo entre Matias Aguayo, Sano (Sebastián Hoyos), Gladkazuka (Gregorio Gomez), y Natalia Valencia fue nombrado como el pueblo colombiano en donde los cuatro amigos se enclaustraron durante un mes para explorar ritmos latinos tradicionales como la salsa, el boogaloo y el merengue con las máquinas de hoy. Su salvaje y poderoso sonido—que incluye un sobresaliente homenaje al himno de la cumbia peruana, "La Danza de los Mirlos"—hace honor a sus raíces nativas mientras te lleva por un viaje psicodélico a través de la selva amazónica. Ritmos infecciosos se juntan con progresivas maracas, percusiones bombásticas y MPCs que resultaron en un LP de 11 tracks de un house eterno y galáctico que emana de las entrañas de la jungla sudamericana.—Cristian Cope

Es fácil pensar que el grime es una cosa de Londres, pero los últimos años han visto al sonido emerger de una variedad de lugares inesperados—siendo Los Ángeles el más inesperado de todos. El LP debut de Letta, el productor de Skid Row para el crecientemente influyente sello Coyote, es una pieza de música negra y mutada que perpetuamente parece estar a punto de implotar. Su afilado acercamiento a las grandes ligas del género—sintes esquimales, salvajes beats de bajo, chirridos con plataformas 2d, percusiones despiadadas—están presentes y de manera correcta, pero reorganizadas y recontextualizadas. Después de todo, resultó que los americanos pueden hacer grime.—Josh Baines

Cuando Rabit hizo el lanzamiento de su álbum debut en Tri Angle el día antes de halloween, la prensa se embolató tratando de definir la música de Eric Burdon, que es difícil y desafía a los sellos. El mismo Burdon ha hecho explícita su renuencia a catalogar su música con géneros, diciendo para FACT que "creo que nunca le he puesto ningún tag de género a mis canciones en SoundCloud". Una vez que pasas tiempo con Communion es fácil ver por qué. Desde el violento asalto de "Pandemic" hastala rizada atmósfera de "Burnerz", es una experiencia potente e intrínsecamente visceral. El álbum también tdeja mucho por pensar, ya que se refiere a asuntos como las políticas sexuales, injusticia y la manipulación de los medios a través de samples vocales afiladas y desolados beats inspirados en el grime. Pero a medida que el último track "Trapped in this Body" amenaza con llegar a su fin, nos queda claro que atrapado en el cuerpo de alguien es exactamente donde este álbum hace el más potente daño.—Angus Harrison

Desde que la fundó en el 2012 junto con su compañero de RISD Young Male, White Material, el sello de DJ Richard, se ha mantenido como destino primordial del house y techno sombrío. Siguiendo su maravillosa contribución a la compilación de los 15 años de Dial, el LP debut del enigmático productor de Rhode Island se parta del rebelde sonido techno que entregaba en sus producciones en White Material; en cambio, Grind encuentra a DJ Richard mirando en sus adentros, marcando a cada uno de los nueve tracks con una emoción diferente. Un álbum controlado, y a veces físicamente abrumador, de uno de los mejores talentos emergentes de Estados Unidos.—Juan Pablo López

Si has tenido a algún amigo melómano que se las sabe todas, probablemente has escuchado sobre Funkstörung, si no por su música, entonces por las mil lecciones de historia que a la gente le gusta contar sobre como este par de bávaros estaban "tan adelantados a su tiempo, mucho antes de Ostgut Ton e Innervisions". La verdad sea dicha, nadie quiere escuchar más de eso. Lo que importa es que en el 2015, diez años después de su último álbum, Chris De Luca y Michael Fakesch lo han vuelto a hacer. Cada track de este LP nos dejó perdido entre los beats. Solo no te sumerjas mucho en él, de otra manera serás tu el que aburra a tus amigos con los interminables monólogos sobre su buen trabajo. —Andreas Meixensperger

Lo sorprendente de Expressions, el segundo álbum de larga duración de Linkwood, es la habilidad del productor escocés para evocar tantos lugares diferentes mientras los cubre con la misma niebla brumosa, como su hogar en Edimburgo. Lleno de texturas ambient, gran parte del disco suena como una microscópica sección de cuerdas empacadas en la concha de un caracol que va contra la corriente. Mientras los tracks de entrada, como "Ignorance Is Bliss", se acercan vagamente al material anterior de Linkwood, un poco más boogie, canciones como "Reef Walking" prevalecen con su eterna melancolía. Una buena señal para el futuro de Linkwood y Firecracker Recordings. —Joel Fowler

Puede que este año estemos celebrando muchos discos que han cosechado elogios reutilizando el pasado. Aún, los continuos logros de Arca son algo para guiarse, y que indica que el paisaje de la electrónica de hoy en día está llena de oportunidades. Comenzando donde Xen terminó en el 2014, Alejandro Ghersi continúa construyendo descomunales puentes industriales y delicados hilos entre el fracturado frío de la tecnología y la calidez de la carne humana. Mutant es, si algo, un disco mucho más sensual. Las reverberantes puñaladas de "Gratitud" muestran al productor expresando un lado más conmovedor y tangible, mientras que "Faggot" tiene una especie de soledad trágica, con una sencilla voz sampleada que resuena lastimeramente contra la percusión. Incluso en track con sonidos más agresivos como "Vanity", la innegable cualidad humana de la música de Arca es evidente, más fuerte que nunca.—Angus Harrison

En 2015 ha sido un gran año para Lotic. Hoy en día es un nombre conocido, que ha consechado la ovación de la crítica por su mix Agitations en el sello berlinés Janus, ha sido extensamente perfilado por casi que toda publicación sobre electrónica y se ha ganado a Björk (Ha hecho remixes de ella y ha abierto para ella en vivo), pero realmente no fue hasta que su EP debut para Tri Angle, Heterocetera, que todo comenzó a ponerse en su lugar. Nombrada como el ensayo de la influyente feminista negra Audre Lorde, es una declaración de propósitos tan claros que simplemente exige ser tenido en cuenta. Trabajando con un collage de sonidos de club, sintes electroacústicos e incluso un sample a Masters at Work—de su humno vogue "The Ha Dance"—el EP sienta las bases del altamente politizado enfoque de Lotic, y no podemos esperar a escuchar qué más viene en camino.—Alex Iadarola

Al inicio del último otoño, mientras los árboles comenzaban a cambiar de color, tomé un paseo mañanero con Kode9 (AKA Steve Goodman) hacia un templo Taoista, escondido en el último piso de un edificio indeterminado de Chinatown. Mientras nos arrodillábamos ante la estatua de Buddha, el jefe del sello Hyperdub desenvolvió algunos de los conceptos detrás de su nuevo álbum, Nothing: "cuando estaba leyendo sobre el vacío, me seguía encontrando con la idea de que pueden parecer desocupados pero realmente contienen toda esta excitación, agitación y energía invisible", dijo. "Se llama Zero Point Energy[Punto de Energía Cero], el cual es el nombre del primer track—y lo que quiero transmitir con este sonido extraño y brillante".

Esta idea—que la nada puede estar llena de significado—sale a la superficie una y otra vez en el álbum, que dedicó a la memoria de Spaceape, quien murió en octubre del 2014, seis meses después del fallecimiento de DJ Rashad, otro de los amigos y colaboradores de Goodman. En "Void", los espacios vacíos se encuentran donde las voces de Spaceape deberían ir; otro track, "Wu Wei", fue nombrado como el principio taoísta que defiende la no acción.

Pero la canción más poderosa del disco es la última, "Nothing Lasts Forever". REcordando el seminal "4'33" de John Cage, consiste de diez minutos y nueve segundos de silencio. Excepto, claro, que no es eso: si escuchas con atención puedes escuchar pequeños estruendos y movimientos en el fondo. "Estaba buscando 'nada' en Youtube y me encontré con un video de un monje budista japonés", Goodman explica, "él dice, 'me gustaría que aguantaran la respiración'. [La idea es que] aguantando su respiración, él dijo todo lo que quería decir". Goodman tomó el segmento de dos minutos y le hizo un loop cinco veces, resultando en el track final.

Mientras nos volvíamos a ponernos los zapatos y nos dirigíamos hacia la salida, me di cuenta que por esto es que Nothing fue uno de los discos más poderosos del año: es el epítome de nuestra búsqueda constante por encontrar un significado en el vacío que nos rodea, especialmente en el más insondable de los espacios vacíos: la muerte.—Michelle Lhooq

Para este momento muchos de nosotros ya conocemos la historia de Jlin: no vive en Chicago; trabaja en una planta de acero en Gary, Indiana; hace el soundtrack para las pasarelas de grandes casas de moda; y hace el footwork más brutalmente oscuro que hemos escuchado. Lo que significa que nos podemos concentrar en la música. El release de Planet Mu, Dark Energy ha cumplido con su nombre. Es un feroz, bravo, gloriosamente confuso, antisocial estallido de energía que golpea y golpea, pero aún así logra ser una de las piezas más satisfactorias para escuchar este 2015.—Josh Baines

"Personalmente, no he experimentado tanto del mundo, no he viajado tanto y probablemente sea porque me siento contento aquí. Estoy feliz aquí". Así comienza el extracto hablado al inicio de "Javan's Call", el penúltimo track de Foam Island de Darkstar. Inspirado en gran parte por las entrevistas que el dúo hizo a veinteañeros en Huddersfield, samples que aparecen a lo largo del disco, Foam Island articula la existencia al norte de Inglaterra y una vida aparte de la atención y prosperidad de la capital. A pesar de haber construido su reputación a punta de 12" para Hyperdub, Foam Island continúa con el intento reciente de Darkstar por hacer álbumes basados en canciones. Estos himnos a lugares y personas son asuntos complejos; tocando ganchos ágiles y coros pegajosos contra una base de sintes arremolinados e instrumentación delicada. Como los sentimientos que le inspiraron, la producción es alegre pero con el trasfondo de algo con más peso.

Puede ser un poco injusto decir que el álbum es triste. Contiene una cantidad enorme de esperanza, y los personajes que ocupan el disco suenan lejos de estar rotos, sin embargo hay una gravedad indiscutiblemente conmovedora que le da peso. Las voces que se escuchan durante el disco hablan de ocupar un lugar de la Inglaterra moderna que el resto del mundo parece haber olvidado. Con el telón de fondo de las pasadas re-elecciones conservadoras que se hicieron en mayo, y la violación de derechos que le ha seguido, Darkstar explora la complicada realidad de vivir en una burbuja ambivalente, y lo más desconcertante, la comodidad que viene con ella.—Angus Harrison

En "Stonemilker", el track con el que abre su noveno álbum, Vulnicura, Björk gime, "All that matters is /Who is open chested/And who has coagulated". El verso puede ser una referencia a lo que significa estar emocionalmente abierto o cerrado, pero también funciona para describir el horripilante y vagamente sexual arte de la carátula del álbum, en el que el torso de la cantante aparece abierto. La música que contiene es igualmente perturbadora e hipnotizante—un disco para terminar una relación, seguro, pero también algo más grande e infundado que eso, en el que reposa el desgarrador relato en primera persona de la artista de Islandia de una relación destruida, entre cuerdas envolventes agitadas producciones dispersas, algunas de ellas con contribuciones de Arca y The Haxan Cloak. Cuando este épico, y algunas veces físicamente enloquecedor álbum termina, es difícil no sentirse un poco aliviado, e incluso, curado—Gigen Mammoser & Emilie Friedlander

Como Caracal de Disclosure, el debut como solista de Jamie xx mira con nostalgia al pasado, ya sea con el cálido golpe de una vieja batería o desenterrando samples de la historia del rave en el Reino Unido. El diverso rango de influencias de Jamie—grime, drum and bass, dubstep, y su trabajo con The xx, entre otros— le da una cualidad literal al nombre de álbum, como si en In Colour él estuviera revelando el espectro completo que tiene su banco de memoria sonora—como el track inspirado en la pista de baile "I Know There's Gonna Be (Good Times)" en el que se unen MC Young Thug y el artista jamaiquino Popcaan en un sincero intento por crear una canción universal para el verano (y funciono). Esa canción puede tener la clave de lo que hace a este álbum tan poderoso, exhibiendo la habilidad de Jamie para mezclar una producción al vacío con los sonidos del pasado, y que aún así parezca que está poniendo su dedo en el espíritu de la época.—Gigen Mammoser

Le tomó cinco años a Sam Shepherd sacar un buen largo, pero como los fans de sus meticulosos singles, EPs y DJ sets anticiparon, la espera valió la pena. Grabado de manera altamente improvisada—y luego tocado en vivo con una banda de once instrumentos—Elaenia lleva a quien escucha a través de campos de delicada instrumentación, susurros de jazz espiritual y, por supuesto, las infinitas melodías Rhodes and Buchla que impulsaron al productor al estrellato del underground.

A lo largo del camino, la carrera de Smith ha sido un testamento de su espíritu arriesgado, ya sea de tour por el mundo o tocando en vivo en clubs como el desaparecido Plastic People, donde una vez tuvo una residencia junto con el iconoclasta que rompió las barreras entre el jazz y el house, Theo Parrish. En este caso, salen a la superficie la naturaleza continua y transicional del álbum, la transición de la calma a lo que parece estar fuera de control para el momento en el que "Peroration Six" suena. Elaenia no está hecho para el momento cumbre, pero es música que le habla a todo tu cuerpo, tocando cada sección de tus sentidos consistente pero impredeciblemente. Porque, ¿no es sobre eso que se tratan la vida y la buena música?— David Garber

La mejor manera de escuchar Lantern es estando solo. Sí, es enorme, explota, es una celebración. Ponlo en una fiesta y vas a estar saltando y abrazando a tus amigos en cuestión de minutos. Pero si realmente quieres darte cuenta de su potencial, apaga los sonidos del mundo a tu alrededor, conecta tus audífonos y cierra los ojos.

Algunos discos suenan como una película, pero Lantern suena como un sueo. Hudson Mohawke es tan conocido por sus tracks para el club como parte de TNGHT y sus colaboraciones con Kanye West y Drake que muchos llegamos a Lanterns esperando encontrarnos con grandes nombres. Lo que tuvimos a cambio fue un ataque temerario a través de sótanos oscuros, paisajes de ciudades, galaxias centelleantes y las poco iluminadas habitaciones de los amantes. HudMo ha estado refinando su propia voz idiosincrática—una que pasa de instrumentación de rock en vivo a pálpitos de gabber en un abrir y cerrar de ojos—desde el 2009 con Butter, sin embargo, con Lantern, estos cambios erráticos encontraron su máxima realización, y con eso, la madurez.

Y ese puede parecer un término extraño para describir un disco tan implacablemente hiperactivo, pero es el apropiado. Lantern es un disco ridículamente emocional, pero que no caricaturiza las emociones—la cercanía de "Indian Steps", la nerviosa alegría de "Brand New World", y el triunfante contoneo de "Scud Books" son la máxima conclusión de un sentimiento sin ataduras y una imaginación sin restricciones. Con esta libertad, y su considerable experiencia, Hudson Mohawke fue capaz de producir un disco que se eleva a través del universo, por el espacio en tu cabeza. —Angus Harrison

¿Una carta de amor a la radio de Nashville que también critica el carácter de la prensa musical? ¿Himnos maximalistas del top 40 que se prestan para cantar tanto en habitaciones pequeñas como en estadios? ¿Un track de hip-hop inspirado en un western en el que colabora una rapera taiwanesa que se llama Aristophanes? Si tenías alguna preocupación de que el nuevo contrato de Caire Boucher con Roc Nation de Jay Z fuera a inmiscuirse con sus ambiciones e idiosincrasias artísticas, el cuarto álbum de Grimes debe resolverlas inmediatamente.

Por más lejanos e incongruentes que parezcan las referencias musicales de Art Angel, el álbum es el trabajo más agudo y singular de la canadiense. Y muchos de sus mejores tracks—"Kill V.Maim", por ejemplo, con sus cantos de porrista con una cuchilla, y la aparición de Janelle Monae "Venus Fly"—muestran a Boucher poniendo la duda y el sexismo de la industria en la mira. Mientras Grimes ha sido explícita en estos temas durante años, su plataforma para hacerlo nunca había sido mayor—ni más necesitada.—Max Mertens

Garden of Delete me hizo llorar la primera vez que lo escuché—lo que es extraño pues no es necesariamente un disco de sonidos sentimentales. Estaba en un salón de conferencia frente a Daniel Lopatin y algunos compañeros, empapandonos de los sintes y bestiales rugidos, y en lo único que podía pensar es en lo libre que sonaba. Aquí estaba—probablemente escribiendo bajo presión, mi gmail sonando con los correos que me llegaban a cada minuto—y Lopatin estaba ocupado escarbando en los rincones de ese sombrío cerebro que tiene, haciendo un disco que probablemente sabía que va a polarizar a sus fans.

Como una sociedad, nosotros los americanos podemos ser sorprendentemente malos en la introspección, e incluso peor cuando descubrimos cosas que tenemos dentro de nosotros en las que preferimos no pensar. En Garden of Delete, Lopatin ha hecho las dos cosas: desde solos de neo-drum que inducen al dolor de cabeza en "Sticky Drama" a las enfermas baladas vocales en "Animals", se ha sumergido en la densidad de la rabia, esperanza, vergüenza e incomodidad física que todos hemos experimentado entre la niñez y la adultez. Ha canalizado esos sentimientos utilizando lenguajes musicales que sirven de soundtrack para cada una de sus etapas, como el industrial y el nu metal. Que pena, podrías decir. De pronto sí, ¿pero no son esas personas capaces de mostrar sus vulnerabilidades, las más confiadas que conoces?

Como el mismo Lopatin me dijo durante nuestra reciente conversación para Beats 1, si puedes mirar con cabeza fría a la pubertad, ese momento en el que nuestros cuerpos mutan y el esquema que tenemos del mundo se vuelve incierto, hay algo muy inspirador, incluso político sobre ello. Algo que podría tener la clave para entender estas producciones elásticas y en las que convergen culturas. "Creo que la mutación, a nivel biológico es tan malo como cualquier otra cosa puede ser", me dijo como manera de explicar su canción "Mutant Standard". "Simplemente va en contra del orden".—Emilie Friedlander

Fue probablemente el mayor logro de mi carrera, me bloqueó Deadmau5 en Twitter después de que lo llamé "daddy troll". Pocos días después del "incidente" fui a ver a Holly Herndon darle vida a Platform en un show que era parte del Tinnitus Music Series de Pitchfork en Brooklyn. Herndon fue acompañada en la tarima por colaboradores como Mat Dryhurst y Brian Rogers, los tres concentrados en sus computadores durante la mayoría de su presentación que te hacía pensar.

Herndon cantaba y suspiraba mientras plugins y procesadores que ella misma construyó deformaban su voz hacia un espectro alienígena. TRataba su laptop como un instrumento, barriendo sus dedos sobre las teclas como si fueran las cuerdas de una guitarra. Videos interactivos de ambientes sintéticos habitados por figuras humanas, comida y restos de tecnología eran proyectados en la pared. Mientras tanto, Dryhurst y Rogers elegían rastros en redes sociales de la gente en la audiencia (probablemente seleccionados desde el evento en Facebook), y comentaban ingeniosas frases sobre la vida virtual de quienes estábamos ahí, y también se proyectaban en una pantalla detrás de ellos. Para mi sorpresa, me convertí en el blanco de sus ocurrencias: "Michelle, considera que te hizo un favor al bloquearte". Sentí que me pegó un rayo. La ansiedad de darme cuenta que fui escogida entre la multitud fue intensificada por la violencia de su intrusión en mi mundo digital.

Mi track favorito en Platform es "Lonely at the Top", el homenaje de Herndon al fenómeno de YouTube de los videos de ASMR, en los que mujeres (la mayoría de las veces) utilizan una variedad de sonidos tranquilos para desatar sensaciones placenteras en quien las ve. De acuerdo con su colaboradora, la experta en ASMR Claire Tolan, su versión reimagina la herramienta liberadora de ansiedad como una "terapia para el 1%", explorando las "estrategias que han desarrollado los extremadamente ricos para afrontar y justificar su status[…] de ser el pico más alto de la vasta inequidad global". Sobre el golpe del teclado y sonidos de papel, una voz infantil recita: "You really deserve it… so many people depend on you, and it's not because you're good at what you're do—it's because you're a great person."

Tanto este track como mi experiencia en el sho definen a la perfección lo que hizo que el álbum de Herndon sea la mayor obra maestra de este año. Mientras otros abordaron los temas que a ella le preocupan—la cultura de internet, vigilancia en línea, estructuras invisibles de poder y nuestra ansiedad por todo lo anterior—el genio de Herndon yace en su habilidad de comentar sobre estos temas de un manera que se siente íntima, emocional, e incluso graciosas en algunas ocasiones. Ya sea que esté investigando a su audiencia, apropiándose de las esquinas más extrañas del internet, o solo creando música cerebral para el club con la que puedas bailar, el cyborg pop de Herndon mira hacia el futuro, pero está primeramente preocupado con las cosas que nos hacen humanos.—Michelle Lhooq