Foto: N. Varón y Ó. Rodríguez

Lunate en aumento

Probablemente no lo conozca, pero este bogotano es uno de los artistas colombianos con mayor proyección en la actualidad. ¿Quién es?

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jul. 15 2015, 9:05pm

Foto: N. Varón y Ó. Rodríguez

Juan Manuel Cortés no tenía idea de cómo ponerse antes de sacar su primer release en 100% Silk, sello de Los Ángeles enfocado en un disco alegre y finos grooves de sótano. Amanda Brown, la cabeza del label, le había sugerido no sacarlo con su nombre propio, sino que buscara un aka que no se asociara con una persona natural. En un diccionario visual, Cortés, de 25 años, encontró "Lunate", palabra que deriva del latín y básicamente significa un objeto en forma de luna creciente.

Y en efecto, dio con el concepto: este bogotano, criado en el barrio Belmira, es quizá una de las caras nuevas de la escena colombiana con más proyección, manejando un espectro amplio que varía desde ambient hasta house. Ha tenido participación en el MicroMutek de Bogotá y en el Mutek Montreal, y ahora va para la clase 2015 del Red Bull Music Academy (RBMA) que tendrá lugar en París en el mes de octubre y noviembre, después de haber pasado un filtro de más de 4000 aplicaciones para reunir a 61 músicos emergentes de 37 partes del mundo. Tiene un palmarés corto, pero cada paso que ha dado ha sido clave y coherente con su forma de ver la música y hasta la vida.

El hombre dice que en el futuro le gustaría ser parte de una comunidad cultural como lo fue la difunta discoteca Trouw en Holanda, y además quiere tener un papel activo en un movimiento musical, idealmente en Colombia. Planea incluir visuales en su live act para elevarlo a una experiencia más audiovisual, e incluso comenta que le encantaría tocar música en vivo con instrumentistas y una banda completa, tipo Caribou o Sam Shepherd con Floating Points Ensemble. En fin... Cortés va por todo, y al parecer, está en el camino correcto.

Seguramente mucha gente apenas se entera de quién es Lunate, ¿qué les dices?

Prefiero dejar que las personas que no conocen mi trabajo saquen sus propias conclusiones cuando escuchen mi música en vez de tratar de explicarles. Pero, para ahondar, lo que trato de hacer con Lunate es tomar un rol activo en términos musicales, empezar a proponer desde Colombia en vez de solamente recibir. Con Lunate trato de unir mi voz a la de tantos artistas locales que buscan dialogar con las propuestas musicales que desde hace poco solo tenían canales de entrada al país sin que nada saliera a cambio.

La música que hago como Lunate es una expresión no solo personal, sino de la colectividad de artistas con los que desde hace tiempo, directa o indirectamente, venimos juntándonos para construir una escena musical propositiva en el país. Lunate también es reflejo de todos los matices de Bogotá, del imaginario de la ciudad y del ritmo en que se mueve.

¿Ahora te dedicás exclusivamente a la música o tenés un trabajo alterno?

En este momento tengo un day job formal, de 9 a.m. a 6 p.m. Sin embargo, para mi trabajo musical ha sido una estrategia exitosa porque me da vía libre para expresarme musicalmente sin estar coartado por presiones económicas. En ese sentido, cuando trabajo en un track o salgo a poner discos el dinero no juega un papel muy importante, y me permite tomar riesgos que no están alineados con una visión comercial sino puramente artística. Además, todas las frustraciones del día a día de trabajo en oficina se traducen en música, creo que el mismo hecho de no poder trabajar en mi sonido durante todo el día me enfoca a aprovechar mejor mi tiempo libre. Mi meta es poder dedicarme de lleno a la música en un futuro, ojala cercano, y trabajo todos los días para lograrlo, pero hasta alcanzar ese momento prefiero mantener un balance con otro trabajo.

Crédito: Snax-Trax

Ilustración por Snax-Trax. Foto vía.

En un territorio que tiene unas raíces musicales diferentes a tu approach actual, ¿cómo fue crecer envuelto de sonidos más tropicales? ¿De alguna forma incidieron en tu sonido?

Creo que no es tanto la presencia del sonido tropical, sino la ausencia de un sonido más contemporáneo lo que más me influenció. El hecho que esté produciendo música que se enmarca en contextos socioculturales a los que sólo he tenido acceso por Internet es algo que ha moldeado enormemente los resultados que he alcanzado en mi producción. Yo no crecí en medio de una escena como la de Detroit o Chicago, entonces la forma de acercarme a construir una propuesta musical cuya principal referencia tiene un trasfondo del que yo no me puedo apropiar, ha sido el principal determinante del camino que he tomado como artista.

Sin duda todas las noches donde mi abuela escuchando a Lucho Bermúdez y otras cumbias y porros también me han influenciado mucho. Sin embargo en términos de forma nunca he sido muy amigo de mirar estos ritmos folclóricos a través de un lente contemporáneo y producir versiones modernas de las Cantadoras del Pacífico, pues para mi la belleza de esa música esta en su expresión cultural, de la cual tampoco soy parte, así sea colombiano.

¿Cómo está conformado tu estudio? ¿Cuál es tu postura frente al eterno debate análogo/digital?

Mi estudio esta en proceso de cambio y actualización ahora. Hasta hace un tiempo toda la música que produje se hizo desde VSTs y samples que grababa de diferentes fuentes, desde mi colección de vinilos hasta de mensajes de voz que me dejaban en el celular. Por lo tanto mi estudio era básicamente mi portátil, un controlador midi, una Maschine y una tornamesa. Desde hace unos meses he estado ampliándolo, no tanto en busca de montarme en la onda de comprar máquinas, sino porque mi experiencia con mi Live Act en el último año me ha encaminado a buscar producir mi música de manera que sea más trasladable a un contexto en vivo. La manera en que uno construye una canción en un computador es muy difícil de traducir a un escenario, y me he encontrado muchas veces deconstruyendo mis tracks a samples que no llevan la tensión y dinámica del track original. Entonces he empezado a buscar equipos que me den más libertad en vivo y que me ayuden a que ocurran cosas más interesantes en el escenario.

Ahora mismo tengo un Analog Rytm de Elektron, un sintetizador Roland SH 201 y estoy esperando la llegada de un Moog Minitaur. Estoy persiguiendo otras máquinas, pero nada que pueda mencionar todavía.

Creo que el debato entre lo análogo y lo digital desvía mucho la atención de la música. En mi opinión, la herramienta y el método son los aspectos menos importantes, la música tiene que hacer sentir algo, independientemente de la manera en que fue concebida. Que una canción sea producida usando un Buchla 200 o prensada en vinilo no asegura que sea buena, y en ese sentido prefiero escuchar algo que se hizo en Ableton, pero que lleva alma.

El insumo principal de tus DJ Sets son los discos, háblanos de tu librería, proceso de recolección y quizá algunas gemas...

Creo que lo más particular de mi colección es la manera en la que esta organizada. Yo separo mis discos de acuerdo a los momentos en que los pondría, evito ordenarlos alfabéticamente, o por genero, o por bpm. Trato de evitar apegarme mucho a las diferentes formas de clasificar la música porque creo que eso dificulta enfocarse en lo más importante para un DJ: las sensaciones que puede despertar una canción en específico, sin importar si es house, techno, soul o jazz. Así, cuando estoy poniendo discos me concentro más en un momento y en las sensaciones que conlleva, las cuales se pueden comunicar con muchas canciones sin importar de dónde vienen.

A la hora de comprar discos nuevos prefiero la experiencia física de explorar una tienda de vinilos, es la mejor manera de pasar el tiempo, sin embargo muy pocas veces logro hacerlo pues en Bogotá hay muy pocas opciones. Cada vez que viajo aprovecho para visitar tiendas en cada ciudad, mi favorita hasta ahora es Rush Hour en Amsterdam, pero como vivo en Bogotá, la mayoría de mis discos los compro por internet, por Discogs u otras tiendas cómo Juno y Redeye Records, sin embargo el proceso cambia mucho, se pierde un poco la gratificación de encontrar discos inesperados y se elimina la interacción con las demás personas en la tienda.

Los discos que se me vienen a la cabeza cómo joyas son: un test-pressing estampado a mano por Dj Harvey del LP que sacó por International Feel cómo Locussolus. También tengo dos discos de Steve Reich, Music for 18 Musicians y Octet, Music For A Large Ensemble / Violin Phase que considero son oro puro. Por otro lado, aunque pasan muy desapercibidos hoy en día, los discos que sacaba la disquera Italiana Irma Records son tesoros, tengo varios de su catalogo pero la joya ahí es un EP llamado Calypso of House de Keytronics Enseble.

Quizá por algunos ya estás perfilado como una gran promesa de la escena colombiana, ¿el hecho te mete presión, te motiva o te resbala?

Lo que me motiva realmente es poder contribuir al crecimiento de una escena que tiene muchas cosas por decir. En Colombia hay propuestas increíbles y me siento muy afortunado de poder ser parte de este momento particular en que están pasando tantas cosas y hay tantos artistas con hambre y con ganas de ser escuchados. Ya el papel que yo juegue en el imaginario de la gente no me importa mucho, mientras pueda estar involucrado activamente en que Colombia se posicione con una voz propia. Para mí la gran promesa es la escena colombiana, no yo.

¿Cómo fue la concepción de tu álbum debut Far Shores?

Yo venía haciendo música desde antes, y estaba un poco frustrado porque estaba enredado tratando de cumplir los estándares típicos para que mis tracks encajaran en un club, pero los resultados siempre se sentían falsos y poco interesantes.

Durante un viaje a Turquía, un tiempo después, hice dos tracks que entraron en el álbum: ‛Freddy‛ y ‛Cold City‛. Estando fuera de Colombia logre producir canciones que se salían completamente de lo que venía haciendo y respondían a momentos de inspiración pura, a diferencia de a las "recetas de música house" que venía siguiendo hasta el momento. Esos dos temas marcaron un cambio en mi forma de hacer música porque fue uno de los primeros momentos en los que logré identificarme con el resultado. Con esa mentalidad trabajé las demás canciones, construyéndolas sin preocuparme por las exigencias de llevarlas a un club. Me preocupé mucho por la selección de los samples, quería que se comunicaran entre sí para darle cohesión a todos los temas del álbum y que vinieran de fuentes que me ayudaran a contar algo entre líneas, un ejemplo es un corte llamado ‛Defiance‛ en el cual usé un sample de Jazzy Jeff hablando sobre mujeres DJs y su talento. Far Shores es la respuesta a un momento donde pude encontrar una identidad musical propia, sin sentir que estaba imitando una fórmula o un género.

¿Por qué elegiste a100% Silk?

Desde hacía mucho tiempo 100% Silk era un label que me encantaba en términos estéticos, desde la dirección de arte de los formatos físicos hasta el carácter medio lo-fi y un poco left field de los releases del sello.

Cómo 100% Silk, los tracks que tenía en el primer contacto con ellos se alejaban mucho de la estética de la mayoría de sellos, entonces me pareció que era la plataforma perfecta para publicar mi música. Ambos trabajamos con canciones que, aunque enmarcadas en géneros cómo el house, no se alinean por completo a las exigencias formales del término.

Al principio yo me acerqué a ellos con la idea de un EP, pero ellos me propusieron alargar un poco la selección de los tracks y sacar un cassette. Fue un poco inesperado porque no me sentía listo para contar algo en un formato tan largo pero fue un reto interesante y me gustaron mucho los resultados.

¿Por qué el formato? Explícale a la gente por qué se escoge sacar un álbum en cassette, en pleno 2015?

100% Silk y su sello madre Not Not Fun llevan mucho tiempo sacando música en vinilo y en cassette, y en general en otras partes del mundo, especialmente en Estados Unidos hay un mercado enorme de coleccionistas de cassette. Lo que hace atractivo el formato para mí es que la experiencia cambia muchísimo, particularmente en comparación con la música digital, hoy en día nos hemos vuelto muy impacientes a la hora de consumir música, hay mil opciones y todo es demasiado inmediato. Cuando uno se sienta a escuchar un cassette debe ser mucho más paciente, debe conectarse con la música. Además el formato se presta para que las canciones fluyan más, ya no se trata de escuchar una canción aislada por 3 o 4 minutos, en este formato las canciones de cada lado forman un todo. Por otro lado la textura que gana la música cuando se pasa a cinta, en mi opinión, le da un carácter y un tono que hace el sonido más especial. Igualmente también están las versiones digitales para los que no tienen cómo reproducir el cassette.

Quizá ahora estás teniendo más exposición por lo del RBMA , pero ya habías tenido participación en Mutek, ¿cómo se dieron esas fechas?

Mutek se dio a partir de un trabajo colaborativo con la Fundación Cultural Arca, ellos vienen adelantando desde hace rato una gestión enorme con el festival en Canadá para traerlo a Bogotá. El curador de Mutek en Montreal había escuchado mi música y nos puso en contacto con la Fundación para que yo fuera parte de los artistas que participaron en Mutek en Bogotá el año pasado.

Luego, a comienzos de este año, me pidieron más música pues estaban haciendo la selección de artistas que iban para Montreal. Yo mandé una canción nueva que no se ha publicado todavía pero que viene más adelante, también por 100% Silk, y de ahí salió la invitación para Mutek, que fue una de las experiencias musicales más importantes que he tenido hasta ahora.

RBMA salió después de pasar mucho tiempo trabajando y pensando en la aplicación, de mandar música nueva y de esperar con paciencia a que ellos hicieran la selección. Ahora la espera es a que llegue noviembre para ir París.

"Hacer soundcheck al lado de Mike Shanon, Dewalta y Coblestone Jazz fue increíble. Y por supuesto, poder alzar la vista y ver un parque lleno de gente escuchando mi música en Canadá también fue un momento inolvidable".

No te gusta hacer mucho ruido con tus cosas, ¿no? Prefieres que todo se dé orgánico...

Sí. Orgánico es una palabra que describe muy bien mi aproximación a la manera en que comunico mi trabajo. Creo que preocuparse demasiado por la promoción puede restarle protagonismo a la música, que es el vehículo de comunicación más contundente que hay. Prefiero trabajar en silencio y que poco a poco lo que hago se dé a conocer a partir de los resultados que alcanzo, en vez de caer en esa carrera de venta mediática. Al final, por más ruido que haga y marketing que le meta al asunto, si la música no es buena sólo estoy perdiendo el tiempo, entonces enfoco mis esfuerzos en mejorar musicalmente.

¿Te has sentido ignorado por los grandes clubs bogotanos?

Varias veces. En mi experiencia, los clubes y promotores locales son muy indiferentes frente a otros artistas fuera de su circulo de amigos. En lo que he conocido, las motivaciones para contratar a un artista varían entre la cantidad de personas que pueden traer al club (lo cual no es su trabajo sino del promotor), hasta el grado de amistad y favores pendientes, siendo la propuesta musical la razón menos común. De hecho, mucha de la atención que me han dado localmente ha sido resultado de reconocimientos que me dieron en otros países y que luego llegó a oídos de gente en Colombia. Y en esto no solo hablo por mí, hay una lista interminable de artistas locales con muchísimo talento y propuestas musicales muy interesantes que no tienen plataformas para que el público local pueda conocerlas.

Es un problema grande de la escena local, porque la gente que sale a escuchar música electrónica solo tiene la oportunidad de escuchar, en la mayoría de los casos, a los amigos del promotor. De ahí en adelante el espectro musical que se escucha y que se exige en la mayoría de clubs de la ciudad es muy poco amplio y homogéneo. Es una dinámica sumamente excluyente con cualquier artista tratando de proponer algo diferente. El público ya esta tan acostumbrado a una línea musical tan específica que muy pocas veces se dan las circunstancias para que una propuesta innovadora sea bien recibida. Por otro lado, también he encontrado muchísimo apoyo e interés por parte de colectivos como Like That, A La Siniestra y Odds N Ends, con los cuales hemos trabajado en construir plataformas dónde no dependamos de clubs ni promotores para proponer musicalmente.

En la aplicación del RBMA, ¿qué respondiste o pintaste en la pregunta que indagaba por tu posición dentro de un universo musical?

Para esa pregunta me imaginé el universo musical como algo en construcción, todavía con mucho por explorar. Mi dibujo representa un universo normal, con estrellas y planetas, y en una esquina esta mi mano dibujando otra estrella, sumándole algo nuevo al universo. Esa es la idea detrás de todo el proyecto, contribuir algo para que el universo musical siga creciendo. El dibujo parece por un niño de cinco años pero ahí se entiende.

¿Manuel Cortés es más un hombre de DJ Set o de live? ¿Cómo se dividen esos porcentajes?

Hasta ahora mucho más de DJ Set. Yo diría que 80% DJ Set y 20% live, o hasta un poco más. Yo antes de tocar live o ser productor he sido DJ, sin embargo creo que las tres cosas se influencian mucho entre si y en mi cabeza ahora no existiría una sin la otra.

Cuando me presento como live siempre vengo de un lugar muy personal, estoy mostrando mi propia música y generalmente implica tener muchas más variables en cuenta, la relación con la audiencia pasa a un segundo plano, es menos una conversación, pues yo me paro a contarles mi propio cuento. Cuando salgo a poner discos el acercamiento es mucho más relajado, empaco mis vinilos sin saber bien qué voy a encontrar en el club, me concentro más en construir a partir de lo que veo en la gente y de proponerles caminos y ver cómo reaccionan. Además hace más de un año vengo tocando con un gran amigo Ernesto Lafaurie, excelente DJ también, bajo el nombre Flush, y el hecho de compartir las tornamesas ha hecho la experiencia mucho más interesante e inesperada.

No sé si es por que hay mucha oferta de DJs pero últimamente veo mucho más interés en los promotores por buscar live acts. Sin embargo a pesar de la mística del performance, no necesariamente lo vuelve mejor que un DJ set. Para mí, a pesar de querer seguir tocando live y evolucionar mi set up, la experiencia de pasar un rato poniendo discos para la gente es algo que no pienso dejar a un lado ni reducir la frecuencia en que lo hago.

¿Qué se viene para Lunate en materia de producción? Revélanos algún futuro release...

Lo grande que se viene este año es un segundo cassette por 100% Silk. Ya está casi terminado, pero empecé a hacer tracks nuevos y a darle un enfoque un poco diferente entonces se ha alargado un poco mas de la cuenta, pero viene este año. Estoy muy feliz con los tracks, pues sí marcan una evolución musical desde el release del año pasado. Hay algo de trabajo con algunos sellos colombianos también y conversaciones con otros sellos internacionales para sacar música con ellos también, pero nada que pueda anunciar todavía.

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Pueden seguir la actualidad de Lunate aquí. Juan Pablo López también habla de fútbol en @soyjplopez.